Paola Irún, con Nombre propio y su teatro for export
Por primera vez, Paraguay formará parte de este prestigioso evento con la obra teatral Nombre, del elenco En Borrador... Teatro en Construcción, en el Festival Internacional de Chile Santiago a Mil. Protagonistas de las artes escénicas de todo el mundo se darán cita de forma virtual este año, debido a la pandemia
El festival presentará formatos tanto presencial como virtual y la pieza paraguaya Nombre será estrenada en línea el 17 de enero y estará disponible hasta el 24 del mismo mes. La transmisión será a través de www.teatroamil.tv y los espectadores podrán verla comprando un pase especial que incluye el acceso a otras obras.
Paola Irún, directora, dramaturga y actriz de EnBorrador... Teatro en Construcción saca con nosotros cosas de su ropero creativo y nos cuenta más sobre esta experiencia.
¿Tus producciones tienen un sello personal en todo su lenguaje, así como las historias que abordás? ¿Qué te inspiró para volver con NOMBRE? -Que entiendo es una continuación de la obra estrenada en el 2006 con la misma compañera actriz Sonia Amarilla y un nuevo elenco-
Siempre estoy en la búsqueda de un lenguaje. Siempre. Es también lo que insisto mucho cuando estoy enseñando. De nada sirve, para mí, hacer por hacer algo. Porque me gusta una obra, o porque quiero actuar o porque quiero ponerme los zapatos de la dirección. Hay que pensar en tu punto de vista. En tu ojo, cómo ves y cómo transmitís lo que ves. Lograr una cierta continuidad con lo que hiciste antes y con lo próximo que vas a hacer. Desde algún lugar. Porque se puede entender como repetirse; pero no pasa por ahí. Pasa por conocerse, por saber cuál es tu forma y cuáles son las posibles variaciones de esa forma. Cuál es tu esencia y moverte dentro de eso. Siempre estoy en esa búsqueda. Haga lo que haga. Sea que esté haciendo: algo corto, largo, liviano, pesado. No significa que lo haya encontrado en un 100%, pero sí intento ser fiel a eso.
Y NOMBRE nace de un proyecto de 3 alumnxs míxs que se habían graduado recién de LA ESCUELA IRUN. Lia Benítez Flecha, David Amado y Florencia Bonzi. Nade de ellxs. Se acercaron y me dijeron que querían elaborar un proyecto desde el punto de partida de la trata de personas y si había alguna posibilidad de hacerlo desde ENBORRADOR. Y yo siempre estoy para mis alumnxs. Cuando yo veo que hay compromiso y que hay una "necesidad" de crear algo, porque para hacer algo para mi tiene que haber necesidad. Poder decir, yo NECESITO hacer esto y por eso me embarco. Cuando veo eso, yo estoy.
Y ahí empecé a pensar en el punto de partida, en la TRATA. Hacía ya un tiempo que veníamos bromeando medio en serio con Sonia, de volver a hacer PERDIDAS. PERDIDAS: TERCERA EDAD. Ja. ¿Qué pasó con Toña y Paco? ¿Qué se hizo de ellas? Pero fue ahí con el proyecto de TRATA que empecé a pensar más seriamente. Y decidí traerles de vuelta. Paco y Toña 14 años después. PERDIDAS ya abordaba el tema de TRATA desde el contexto de paraguayas migrando a España cuando se produjo el gran éxodo a principios del 2000. Y ahora lo que hicimos fue repensar a los personajes habiendo pasado literalmente 14 años. En el 2006 Toña y Paco se separan trágicamente bajo un aguacero, Toña le deja a Paco en la calle sin nada y se va, unx se imagina que no se vuelven a ver. Ahora tuvimos el punto de partida de qué se dirían después de haber terminado así y sin verse por todo ese tiempo. Paco continúa haciendo sus performances callejeras y su poesía muy particular (ahora ayornada a una nueva forma porque los años pasaron) y Toña continúa repitiendo errores pasados pero también evolucionando con el pasar de los años. Pero, ¿qué se pueden decir? ¿Cómo reaccionarían al verse? Eso exploramos. Lo primero que le salió a Toña fue decir "perdoname" y a Paco... "No tenés derecho". El resto... hay que ver la obra.
A la historia de Toña y Paco sumamos dos historias más basadas en datos reales de trata interna (lo que sucede dentro del país), luego de una investigación que hicimos sobre el tema. Estas 3 historias se cuentan primero en paralelo, hasta que al final todas convergen en un mismo desenlace. A esto sumamos un músico y una música que acompañan a Paco en sus performances y hacen sonar toda la obra en vivo. Dahia Valenzuela en el mundo sonoro y Hernán Melgarejo música original. Y utilizamos la performance de Paco para el contacto con el público y la conceptualización general de toda la obra.
Y para terminar de describir la obra, arrancamos con un prólogo. Como pidiendo permiso al espacio, la casa de Rubén Vysokolán en Punta Karapa. Pidiendo permiso a Vysoka a través de un prólogo homenaje a cargo de su hija Lou Mei Vysokolán y la participación especial de Zulma Veneroso. Zulma trabajó y vivió en la casa de Vysoka todo el tiempo que él estuvo en Punta Karapá. Y hoy, que el espacio se transformó en "El agujero de Vysoka", Zulma continúa viviendo ahí y encargada del lugar. Ella es parte también de nuestra obra. Nos acompañó en toda la creación hasta que le pregunté, "Zulma, ¿vos no querés actuar?". Porque ella intervenía en todo y cuando Lou Mei estaba creando, ella interrumpía y le corregía. Cuando le pregunté, de una me dijo "Sí". Y ahí está, parte del elenco y ahora internacionalmente también.
¿Qué tan difícil fue montar una obra teatral cuyo estreno estaba previsto para marzo del 2020 y tuvo que virar al formato online para este festival Santiago A mil?
Nosotros y nosotras trabajamos en la creación gran parte del 2019. Desde que empezamos el proyecto podemos contar casi un año de búsqueda. A partir más o menos de Octubre 2019 nos mudamos a Punta Karapá, hasta Marzo 2020. Porque creamos en función al espacio, con la visualización de Manu Alviso. Trabajando y compartiendo con la comunidad, con los vecinos, la comisión vecinal. Teníamos un grupo de niñas que nos acompañaban en todos los ensayos y se sabían la obra de arriba abajo. No faltaban un día. Una de ellas ya tenía prometido un lugar en LA ESCUELA para estudiar teatro. Sus padres venían siempre a la noche a llevarles prácticamente arrastradas porque ¡no se querían ir! Teníamos que negociar con ellas. Queríamos lograr una experiencia en la que no solamente te vayas a ver una obra de teatro a la Chacarita sino que conozcas el lugar, a la gente, cenes en el mirador, tomes algo y activar el agujero como una actividad completa.
Cuando llegamos al agujero, todavía no estaba terminado y trabajamos con los arquitectos Lukas Fuster y Nicolas Berger que a su vez trabajaban con estudiantes de arquitectura para hacer la renovación del lugar. Trabajábamos en paralelo y coordinando horarios para no pisarnos. Ellos se portaron de maravilla con nosotrxs y trabajaron contra reloj para poner todo a punto para el flamante estreno e inauguración oficial del espacio. Invertimos en el espacio poniendo nuestro granito de arena también en la infraestructura. Nuestra vida dejamos en el agujero. Estrenamos felices, dos días después para todo. Se cierra. Chau. Se acabó el teatro. Es muy difícil describir lo que se sintió, lo que se siente. Te quitan tu lugar en el mundo, tu manera de relacionarte en el mundo, lo que le da sentido a tu vida, el teatro. Y nos quedamos absolutamente huérfanos. Los y las artistas de teatro pueden coincidir en que el golpe fue tremendo. Golpeó el bolsillo, el estómago y el alma. Es lo que sabemos hacer y no lo podíamos hacer. Como todo el mundo, al principio pensamos que iba a ser sólo por un tiempo. Un mes máximo. Dejamos todo montado. Las luces. El diseño era de Martín Pizzichini y en ese momento Martín estaba en Córdoba y hablamos y quedamos en dejar todo ahí porque en cualquier momento podíamos reanudar. Enseguida nos dimos cuenta de que no. Que venía para rato. Se sacó todo y nuestras cosas nos guardó Zulma en un depósito. La obra se quedó en un depósito con candado.
Pasaron los meses y se vino el "teatro online", las plataformas de streaming, etc., etc., etc. Mi cabeza comenzó a dar vueltas otra vez. Porque me hacía y me hace mucho ruido el teatro ante la cámara. Siempre me pareció que ya no podía ser un registro nada más a 2, 3 cámaras frontales y actuar en frente. Unos cuantos primeros planos, muchos generales y listo. Siempre pensé que tenía que ser otra cosa. Hacía falta otra cosa. Que no sabemos qué es, pero que hay que buscar. Experimentar con las herramientas que tenemos a mano. ¿Son cámaras y una pantalla? Pues bien, ¿cómo podemos usar y fusionar como parte de la dramaturgia? No como cámara testigo, sino como algo más. Entonces ahí pensé, ¿quién está tan loco como yo y se animaría a tirarse a los leones sin mucha prueba, más que con las ganas de experimentar? Juanma López Moreira. Ya habiendo trabajado con él en el show que hice con DELIVERANS, participó también de SHEIKAVENIU, y siguiendo yo su trabajo, le considero brillante. Brillante y temerario en el mejor de los sentidos. A parte, Juanma tiene una sensibilidad muy particular en el momento de plasmar su visión. Porque yo no quería que él registre la obra. Yo quería que él plasme su visión con su forma de narrar. Entonces decidí unir una dirección teatral y una dirección audiovisual, defendiendo la teatralidad y el lenguaje audiovisual al mismo tiempo. Juanma se prendió y armó su equipo con Xime Barba, Fernando Delgado y 5 cámaras. 3 de ellas, son parte directa de la obra, protagonistas, tienen personalidad, toman decisiones, sienten, se visualiza emoción. Todo eso logró Juanma. Y grabamos kamikasemente de corrido, para no perder el cordón teatral. A como salga, a como se sucedan las cosas. El resultado, creemos, es algo muy especial.
Teníamos fondos del FONDEC reformulados 2020 para grabar y cabe destacar que, como muchos otros proyectos, siempre hay lugar para el plagueo, seguimos sin cobrar. Todo este tremendo esfuerzo lo hicimos a crédito, a deuda, sumando a la deuda que ya teníamos por la temporada que no pudimos hacer. Remándola siempre. Este y otros proyectos ya fueron ejecutados y seguimos sin ver el dinero. Siempre luchando, siempre reclamando, siempre rogando por algo que nos corresponde al ser adjudicados. Presentando cartas, firmas, un sin fin de llamadas y recibiendo siempre la misma respuesta. Tan sufrido siempre nuestro ambiente teatral. No basta con reformular y volver online los procesos. Lo que hace falta son políticas culturales acorde a la realidad de los y las artistas y al momento que estamos viviendo que de por sí ya es un cambio de paradigma. Políticas culturales concretas para mantener el teatro vivo, y ahora una campaña concreta para traer al público a las salas y reanudar sin tanto sudor este oficio que fue uno de los más afectados.
¿Cómo te mantuvo ocupada el año pandémico? Sé que estuviste creando con alumnos de tu escuela, así como un curso de dirección, creando puentes con Kenia y Paraguay el BOLD Teatro KE, aparte de participar en un seminario internacional en la mamatheatre, Ciclo Online Mujeres del Teatro y realizando una pieza teatral, La otra gaviota, con tu madre, la gran actriz Margarita Irún, para el festival Crear en Libertad; pero realmente, ¿En algún momento tuviste ganas de abandonar el teatro por la pandemia y que todo se vaya a donde se tenga que ir?
Nunca pensé en abandonar, pero sí me paralicé. El cese del teatro y el encierro, se convirtió en una parálisis laboral, emocional y existencial de no saber para donde correr. Y no poder luego, ni siquiera pensé en abandonar; pero sí me paralicé. El cese del teatro y el encierro se convirtieron en un letargo laboral, emocional y existencial de no saber para donde correr. No se podía luego correr hacia ningún lado, porque con suerte mirábamos por la ventana. Mucho silencio. Algo que me cuesta muchísimo porque mi cabeza no para. Hace un poco más de un año que estaba intentando practicar el silencio, la meditación, por razones físicas y emocionales y parar la marcha, disminuir los decibeles. Me costaba muchísimo. Y esto me dio una cachetada. De golpe.
No sé cómo, ni cuándo exactamente pasó, pero empecé a encontrarle el gusto a ese silencio. Tengo que destacar que tuve el LUJO de seguir mis actividades docentes, tanto en LA ESCUELA, como en FADA, como un trabajo internacional que tenemos hace años con Nelson Viveros que siempre nomás luego fue online. Así es que tuve ese colchón laboral para poder encontrarle el gusto al encierro. Y el espacio para poder pensar en otras alternativas. Y me dije, no puedo parar. Y no significa seguir corriendo, sino no parar de crear. Ahí fue que cambié totalmente mi postura. Y es esta: el teatro es para mi el testigo y documento de su tiempo. El teatro debe responder a lo que está pasando aquí y ahora. ¿Y qué está pasando ahora? Una pandemia. Pantallas. Zoom. Deberíamos estar documentando teatralmente. Y ahí empecé a generar todos los espacios posibles y trabajé más que pre-pandemia. E hice todo eso que se nombra en la pregunta acompañada de grandes compañeros y compañeras como Jorge Báez, Fatima Fernández Centurión, Guada Lobo, Aroji Otieno de Kenia, mi mamá, Margarita Irún, Manu Alviso que me hizo caso con "La otra gaviota" con colección de tapabocas y alcoholes, los y las artistas de LaMama, las chicas de Aireana (que también eso hicimos, NEDTOLES 3 VIRTUAL) y todos y todas quienes se sumaron a nuestros espacios conviertiéndoles en pulmones para respirar durante el encierro.
¿Cómo aprecias el desenvolvimiento de la actividad teatral en Paraguay bajo estas nuevas formas de vivir?
Como dije antes, muy sufrida. Muy en soledad y el apoyo que hay no alcanza o no está acorde a la realidad teatral y sus artistas. Eso hace que no fluya, que haya trancas, frenos en el camino. Y el teatro debería ser fluidez. El arte en sí. Pero hablo del teatro, que es lo mío. Pese a todo eso, la gente se ingenia, hace, crea. Se hizo mucho en poco tiempo, pero responde a una necesidad. Así como también hay grandes artistas que tuvieron que inventar otros oficios para subsistir. Y el subsidio para artistas, que se hizo esperar, llegó solo para unos cuantos sin explicación y en muchos casos sin criterio inclusive. Se sufre, se suda, se rema y así y todo se sigue. Siempre resurge en las peores condiciones. La pandemia no nos va a parar. El teatro va a seguir pero gracias a sus artistas.
Ahora el teatro está "permitido" y creo que es el momento en que tenemos que pensar que le ofrecemos. ¿Qué obras vamos a hacer? ¿Qué queremos decir? Es muy importante pensar y pensarnos ahora desde ese lugar. Eso no significa llevar la densidad a la escena. En la más pura comedia debe haber algo que queremos decir como artistas. Tenemos que volver con más fuerza y tenemos que atrapar de nuevo al público. Nadie lo va a hacer por nosotros, ya que como también dije, no hay políticas culturales de vuelta a las salas. Y por supuesto profesionalizando el rubro teatral. Cobrar entrada aunque sea simbólica. Muchas cosas gratis se hicieron en pandemia y nuestro trabajo vale mucho y tiene que ser valorado y remunerado. Hay mucha gente detrás de cada obra y con más razón ahora con público reducido, debemos unirnos en la profesionalización del trabajo teatral.
¿Te sentís una abanderada del teatro paraguayo para el mundo?
No. Hago lo que puedo, con lo que tengo. Como creo que todos hacemos. Sí, siempre estoy tratando de promover nuestro teatro. Tuve la suerte y el privilegio de haber vivido mucho tiempo afuera y eso me dio la posibilidad de generar un montón de lazos por el mundo que alimento siempre, pre pandemia y ahora más. Los emails esporádicos mutaron en reuniones de zoom cada vez más frecuentes. Ya soy accionista de Zoom. Y constantemente estoy hablando del teatro paraguayo. Y no es que hablo porque quiero nomás. Me preguntan. Se quiere saber. Y siempre estoy ahí para contar, para mostrar incluso porque comparto con gente de afuera cosas que se hacen acá.
También con mucho esfuerzo siempre estuve tratando de llevar obras a escenarios internacionales y tuve la suerte de participar en algunos festivales internacionales muy importantes y residencias con compañías internacionales que, a su vez, van abultando la bolsa de contactos. Lo cual también viene de la mano del aprendizaje; mucho, mucho, mucho aprendo en cada intercambio. Para mi, eso viene con el rol, el de tener una compañía, la gestión cultural de mantenerla siempre en movimiento y visible. Y se beneficia toda la escena nacional.
¿Cómo llega la propuesta del festival Santiago a Mil? Y ¿cómo vamos a poder ver tu obra en el festival?
Hay que empezar diciendo que esto es un sueño hecho realidad. Siempre soñamos con este festival mirando de lejos. No tiene una convocatoria abierta, así que no se puede aplicar. No podés poner tu obra a consideración. Es sólo por invitación. El festival tiene un sistema de curaduría. Curadores y curadoras de distintos países que van investigando obras, artistas y compañías. Cómo llegan hasta mí creo que es el resultado de tener esa red de contactos que mencionaba anteriormente. Carla Stefan es una productora y gestora cultural brasileña que fue productora de ENBORRADOR en dos ocasiones. A ella le consultaron sobre mi trabajo, Cecilia Kuska, de Argentina, programadora y curadora de varios festivales. A quien conocí brevemente en una charla por Zoom que organizó Carla con mujeres productoras de distintos países. Cecilia se pone a "investigarme", a googlearme, seguramente. Y acá entra otro factor tan importante para nosotros y nosotras artistas: cómo estamos en las redes, como estamos en los medios. Es también otro trabajo que viene con el rol. Qué sale cuando la gente te googlea. Qué sale de Paraguay. Tan importante son los espacios en los medios y cómo nos presentamos en las redes como artistas de manera personal y nuestros trabajos. Por eso aprovecho para agradecer este espacio de EL ROPERO NEWS que es valiosísimo para nuestro teatro en este sentido. Muy importante.
Santiago a Mil tiene varios énfasis y programas dentro de este festival y este año uno de ellos es MUJERES CREADORAS LATINOAMERICANAS. Para ese espacio Cecilia me contacta y ya sabía todo de mi cuando sucedió el primer acercamiento; pero me preguntó, "¿qué tenés?". Y ahí le hablé de NOMBRE y le dije que no teníamos registro de la obra porque no tuvimos tiempo de hacerlo: pero que tenía la intención de experimentar con el lenguaje teatral y audiovisual. Pero como yo soy una enferma del documento y grabo todo lo que sucede en el proceso, los ensayos, las creaciones en pedazos, etc., etc., tenía eso. Me dijo que le mande todo lo que tenía con respecto a la obra. Le armé un drive y puse todito. Un montón de videos, fotos, documentos, el guión. Eso ella revisa y le pasa a la dirección del festival. Y ahí esperé la respuesta. Pasaron meses. Me hicieron más preguntas. Y seguí esperando. A todo el equipo yo les dije, hay un 50% de posibilidad primero. Luego 70%. 80%. 95%. Finalmente salió la selección oficial y ahí pudimos anunciar tremendamente felices, con mucho orgullo y mucha responsabilidad de representar al país por primera vez. Lo cual implica abrir una puerta al futuro para todo el teatro paraguayo.
Y es un orgullo muy grande compartir festival con grandes como Robert Lepage, Marina Abramovic, Frank Castorf, Lola Arias, Janaína Leite, LAS TESIS, Rimini Protokoll, Laurie Anderson, Joel Pommerat, el músico Rufus Wainwright entre muchxs otrxs. 150 puestas en escena, países como Alemania, Argentina, Australia, Austria, Brasil, Canadá, Cuba, Estados Unidos, Francia, México, Países Bajos, Paraguay, Reino Unido, Rusia, Serbia, Suiza, Uruguay y Chile.
NOMBRE se estrena el 17 de enero y va hasta el 24 de enero en la plataforma digital del festival teatroamil.tv, a la que puede accederse desde cualquier parte del mundo. Nos encantaría que el público paraguayo nos pueda acompañar virtualmente y, quienes puedan ver la obra, nos cuenten, posteen, sigan ayudando a la visibilidad, apoyen. La obra también forma parte de la plataforma del festival PLATEA 21 que es exclusivamente para programadores y productores de todo el mundo. A nivel local más adelante veremos cuando la estrenamos.
Ficha artística
Elenco: Sonia Amarilla, Paola Irún, David Amado, Lia Benitez Flecha, Florencia Bonzi | Prólogo homenaje a Rubén Vysokolán: Lou Mei Vysokolan y participación de Zulma Veneroso Gaona | Músicos en escena: Mundo Sonoro, Dahia Valenzuela | Música original: Hernán Melgarejo | Visualización: Manu Alviso | Dirección audiovisual: Juanma López Moreira | Cámaras: Ximena Barba, Fernando Delgado, Juanma López Moreira | Diseño de luces: Martín Pizzichini | Asistencia: Manu Alviso, Pali Mallorquín | Asistencia en piso: Panambi Scalamogna | Colaboración en visualización: Carlo Spatuzza | Colaboración: Jorge Báez | Mesa colaboradora: Tito Chamorro, Fátima Fernández Centurión, Gabriela Zuccolillo, Nelson Viveros, Rayam Mussi | Dramaturgia y dirección general: Paola Irún
EnBorrador
EnBorrador... Teatro en construcción es una compañía de teatro multidisciplinario y experimental que crea una obra inédita desde un punto de partida específico hasta la escena, en formato laboratorio y con colaboración entre elenco creador, director-dramaturgo y artistas de distintas disciplinas. Desde su creación, en el 2009, la compañía viene presentando eventos teatrales y visitó varios escenarios y festivales internacionales, además de su participación en congresos/charlas compartiendo el método de creación.
Más cosas sobre el Festival Santiago a Mil
¿Qué es Santiago a Mil y quién lo organiza?
Santiago a Mil es un festival de artes escénicas que se realiza cada año en el mes de enero, principalmente en Santiago de Chile y con extensiones en otras ciudades del país. Es un proyecto organizado por Fundación Teatro a Mil desde 1994 -con el nombre de Teatro a Mil- y desde hace más de 20 años, cuenta con la colaboración de Escondida | BHP; está acogido a la Ley de Donaciones Culturales y cuenta con el apoyo del Ministerio de la Cultura, las Artes y el Patrimonio. Este año se suma Banco Estado como auspiciador, para facilitar el acceso a las personas con 30% de descuento.
¿Cómo será su versión XXVIII?
Por primera vez, se realizará el festival en un formato híbrido, es decir, que combinará múltiples plataformas con funciones presenciales, en la medida que las fases de desconfinamiento lo permitan y donde aplicaremos todos los protocolos sanitarios necesarios para cuidarnos. La programación 2021 incluirá espectáculos digitales por Teatroamil.tv, ZOOM, medios de comunicación, además de espectáculos e intervenciones presenciales creados especialmente para pocos espectador@s y escenarios al aire libre con aforos reducido. Los teatros cerrados serán abiertos en fase 4, con los aforos correspondientes y con estrictos protocolos sanitarios ¡Nuestro lema es #VolverAencontrarnos en todos los escenarios posibles!
¿Cómo acceder al Festival?
Hoy más que nunca, deseamos continuar contribuyendo a la descentralización geográfica, social y económica de la cultura a través de distintas políticas de acceso, entre ellas, funciones gratuitas, precios rebajados y beneficios especiales para diversos públicos. Y este año, Santiago a Mil llegará a distintas comunas de Chile con obras que puede ser vistas de manera gratuita, de manera presencial o digital, que podrás acceder previa inscripción en santiagoamil.cl y teatroamil.tv.
Además, gracias a la alianza con Banco Estado, podrás acceder a un descuento permanente de un 30% sobre el valor de los pases digitales para teatroamil.tv, entradas individuales y presencial.
La venta online es a través de:
https://ticketplus.sistemadeboletos.com/#!
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